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Luna, tu que la ves, dile cuanto la amo
Luna, tu que la ves, dile cuanto la extraño.
Esta noche sé que ella está
Contemplándote igual que yo
A través de ti quiero darle un beso
Tu que sabes de soledad
Aconséjale por favor
De que vuelva convéncela te ruego
Visita también Mirador Lirquén
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Buscando entre mis cosas, encontré un abandonado juego de tubos de extensión que sirven para hacer macro fotografía y que nunca había usado… así que decidí ver que resultaba con ellos y aquí les dejo algunas muestras.
Usé sólo el #1 y una lente 80mm
Se denomina macro fotografía o fotomacrografía a la realización de fotografías de gran tamaño sin importar su escala de reproducción —es decir la relación entre el tamaño verdadero del sujeto fotografiado y el de la fotografía—, pero comúnmente se hace referencia con ese nombre al tipo de imagen fotográfica donde el sujeto fotografiado es igual o más pequeño que el tamaño de su imagen en la película o sensor electrónico que captura la imagen. En algunas aplicaciones se llama así a aquella reproducción final en que el sujeto fotográfico tiene un tamaño igual o mayor que el real. Normalmente se emplea para realizar fotografías de objetos muy pequeños, o cuando son necesarios detalles de objetos de mayor tamaño. Tienen un uso muy acentuado dentro de la investigación biológica, debido a que con ellos es posible la documentación y estudio de características de diversas especies, tanto animales como vegetales. Además de ello, también son valorados en la fotografía de artículos de reducido tamaño como joyas, monedas, estampillas, entre otros objetos.
La Macro Fotografía, se trata de un tipo de fotografía donde el tamaño del sujeto u objeto fotografiado en la imagen es igual que el tamaño real del sensor del dispositivo fotográfico. Suele utilizarse para fotografiar animales u objetos de tamaño muy reducido, principalmente insectos, plantas, flores o minerales.
¿Qué lente debo usar para fotos macro? Lentes Macro Focal Estándar (60-105 mm) Las lentes macro que van de los 60 a los 105 mm suelen ser las más utilizadas en macro fotografía. Se puede mantener una distancia media entre la cámara y el sujeto u objeto fotografiado y los precios que barajan son todavía asequibles.
El objetivo macro es de los que más llama la atención de los usuarios iniciantes, la capacidad de enfocar desde tan cerca, la calidad en las ampliaciones o poder llegar a ver un mundo de detalles en insectos, flores,… llena la curiosidad de cualquier amante de la fotografía
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Hay una sutil pero gran diferencia entre estos dos tipos de fotografía. Alguien se anima a indicar cuál o cuáles son ?
La fotografía de Paisajes es muy parecida a la de Viajes, pero como dijimos anteriormente existe una sutil diferencia entre ellas, cual es la de transmitir una experiencia en el caso de los viajes. En fotografía de viajes, normalmente aparecen personas como elemento de la composición que intentan pasar al espectador una sensación de placer y de satisfacción de estar en aquel lugar de modo de incentivar su visita.
La fotografía de paisajes consiste en la representación de un gran espacio natural o de una parte específica de un país. Dentro de este tipo de fotografía también se consideran las tomas de imágenes de algunos lugares urbanos.
La fotografía de viaje es un género fotográfico que puede involucrar la documentación del paisaje, las personas, las culturas, las costumbres y la historia de un área. La Photographic Society of America (Sociedad Fotográfica de América) define una foto de viaje como una imagen que expresa el sentimiento de un tiempo y lugar, retrata una tierra, su gente o una cultura en su estado natural, y no tiene limitaciones geográficas.
Fotografía de Viajes y Paisajes, a continuación un ejemplo de cada una.
Vea también métodos de medición
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El Efecto Panning es creado al fotografiar algún objeto en movimiento de manera que conseguimos que dicho objeto esté enfocado y congelado mientras que el fondo está movido.
La persona abajo, pedalea con su bicicleta, es evidente que está en movimiento, pero se ha conseguido que aparezca enfocado y estático. Mientras tanto, el fondo está completamente movido.
La manera de conseguir este tipo de fotografías es simple, aunque requiere mucha paciencia y en especial mucha mucha práctica, ya que no es nada fácil conseguir buenas fotos. Para utilizar el efecto panning (o hacer un panning) lo que debemos hacer es:
La dificultad principal es conseguir que el objeto de la foto esté bien enfocado. Deberemos valorar si utilizar el autofocus, el autofocus en modo contínuo o enfocar de manera manual en la zona donde por la que creemos que pasará el objeto a fotografiar. Esto dependerá de la cámara que tengas y tu habilidad para hacerlo.
Si utilizáramos un tiempo de exposición de 1/125 o más, congelaríamos tanto el motivo fotográfico como el fondo, y perderíamos por completo la sensación de velocidad. Seguro que has visto multitud de fotografías de rallies o fórmula 1 utilizando esta técnica.
¿Inténtalo y compártenos tus resultados?
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Indicaremos aquí algunas orientaciones generales sobre composición de retratos que pueden ser usadas en conjunto con los principios de encuadramiento.
Estos, mas que reglas, son puntos de partida. Están aquí para que los desobedezcan en nombre de la creatividad, pero, como principios básicos, son útiles para hacer buenos retratos.
Quien ve por primera vez un retrato fotográfico propio intenta reconocer la personas que ve en el espejo en la mañana. Pero en general no ve esa persona. Una de las razones e que la imagen que ve en el espejo está invertida. Basicamente, la persona se ve al revés.
Cuando se hace una fotografía, la cámara ve al modelo desde el punto de vista que tomo tenemos de ella, pero no desde el punto de vista que la propia persona tiene de si misma.
En la época de las transparencias, se mostró imágenes en slides a modelos que inmediatamente dijeron: “Ah, no se parece a mi !!”. Entonces dieron vuelta el slide para que la imagen quedase invertida y se les llamó de nuevo para que la vieran de nuevo, y todos dijeron: ” Ah, ahora está mejor, ahora me reconozco.”
Si los ojos no están enfocados en un retrato de busto, el rostro entero parecerá estar fuera de foco para el espectador. Aunque este desenfocado, el restante del rostro parecerá correcto para el espectador si los ojos están bien enfocados. Pero, si el foco está en la nariz (o en las orejas), y no en los ojos, el espectador quedará con la sensación de que ocurre algo extraño en la foto.
En un retrato de busto tradicional, posicione los ojos en el tercio horizontal superior del encuadre, ya que esto da al espectador una impresión más natural al mirar el retrato de frente.
En la mayoría de los casos, cuando los ojos no están a ese nivel el espectador puede quedar con la sensación de estar viendo el retrato desde arriba, lo que puede ser desconcertante. Está claro que hay ejemplos de buena composición en que esta regla debe ser ignorada, pero este es, como dijimos, un punto de partida útil y seguro para la mayoría de los retratos de busto.
Evite cortar los miembros en las articulaciones, como las muñecas, tobillos o codos. Esta regla se aplica a manos cortadas en las muñecas por el borde del encuadre, los dedos cortados en medio de la mano y, los pies cortados en la pantorrilla o tobillos. Todo esto da la impresión extraña de la fotografía que provoca al espectador la sensación de que algo falta.
Siempre es preferible evitar este tipo de problema vigilando los bordes (ver los contornos del visor) antes de hacer la foto y, entonces, pidiendo al retratado que intente poner las manos o pies dentro del cuadro. Tal vez sólo baste encoger los pies en la dirección del cuerpo o mover las manos, cruzando los brazos o posicionándolas en las rodillas, pecho o estómago
Si fuese probable que manos o pies sean cortados, tal vez debido a la posición del retratado o limitación de espacio disponible para la foto, piense en cambiar el plano de la imagen.
Por ejemplo, si no es posible evitar cortar manos o pies en una foto de cuerpo entero, tal vez sea mejor hacer una foto de dos tercios y encuadrar al retratado por arriba de las rodillas
Cuidado con los objetos en el fondo que puedan alejar los ojos del modelo principal. Intente mantener el fondo limpio, sin desorden que distraiga la vista en objetos sin relación con el terma de la fotografía.
Uno de los errores mas comunes del retratista que está iniciando es permitir que un poste salga de la cabeza del retratado. Examine el visor con atención y certifique que no haya nada parecido a eso en la pantalla; de haberlo, generalmente basta con desplazarse un paso hacia el costado para apartar al modelo del objeto invasivo.
No vea sólo el centro del cuadro, vea toda el área, principalmente los bordes, ya que generalmente es en esas áreas es donde ocurren los errores de cortes y problemas con objetos extraños que invaden la escena.
Sugiero que comience experimentando técnicas tradicionales de encuadre y sólo use las menos convencionales cuando ya este familiarizado con las reglas básicas de composición.
Es natural tomar la cámara en modo horizontal, porque es así que fue construida. Pero para composición de retratos recomiendo que la use lo más que pueda en forma vertical.
Uso esa posición en un 90% de las veces, principalmente porque encuentro que ayuda a llenar el cuadro con el retratado (principalmente en bustos y retratos de dos tercios, que llenan el cuadro con la cabeza y eliminan el espacio no necesario alrededor).
El modo favorito de usar la cámara en horizontal es completar el cuadro con el modelo, lo que evita dejarlo en el medio con espacio vacío alrededor.
Imagine el visor de su cámara. Ahora imagine en é dos lineas horizontales que dividen el formato en tres secciones iguales. Ahora imagina otras dos líneas, pero verticales. Ahora su visor (o cuadro de la imagen) está dividido en tres partes, vertical y horizontalmente.
Use esas líneas para posicionar al modelo o parte de él y obtener el máximo de impacto. La regla de los dos tercios dice que los ojos serán mas impactantes en las áreas del cuadro en que las líneas se cruzan.
Esto nunca es en el centro de la imagen. Así, poner el modelo en el centro de la foto con un montón de espacio alrededor generalmente no queda bien a los ojos del espectador.
La regla de los dos tercios es una técnica de composición de retratos que ha sido despreciada en los últimos tiempos, ya que muchos fotógrafos parecen decididos a evitarla o desobedecer. La recomendación es, no la elimine antes de experimentar y esto es una apuesta: después de acostumbrarse, ella se volverá una técnica vital de la que no tendrá ganas de huir con frecuencia.
En retratos, tiene dos usos principales. En el formato vertical, use la regla de los dos tercios para posicionar la cabeza del retratado en el tercio superior del cuadro. Eso deja un poco de espacio arriba de la cabeza y ayuda a equilibrar la composición de retrato como un todo. En un retrato de busto, completar el cuadro con esta regla dejará los ojos aparentemente al nivel de los ojos del espectador. Así se obtiene una fuerte conexión entre el espectador y el retratado.
La regla de los dos tercios también funciona bien con la cámara en formato horizontal. De este modo, es posible ubicar al retratado en alguno de los lados del cuadro y dejar la mayor parte del espacio del otro, sin que la imagen parezca desequilibrada.
Un error común en el uso de esta técnica es alejar demasiado el modelo para uno de los lados del cuadro. Esto deja espacio vacío en exceso y resulta en una imagen desequilibrada.
Use la intersección del primer tercio horizontal ( a partir de cualquier lado del cuadro ) para posicionar al modelo, de preferencia dejando la primera línea vertical en la mitad del cuerpo, para obtener una composición mucho mas equilibrada.
Cuando posicione las personas en el encuadre, en caso que ella vean hacia alguno de los lados es mejor darles espacio en el cuadro para ver. Evite poner a alguien en el borde del cuadro mirando hacia afuera del mismo, a menos que quiera el efecto de “creo que voy a quebrar mi cabeza en ese muro”.
Intente encontrar en la escena algo que pueda usar para enmarcar al retratado, aislándolo del medio ambiente y así dándole más énfasis. Puede ser una puerta, ventana, ramas de algún árbol o cualquier otra cosa que ayude. Vea a su alrededor si hay algo que pueda ser usado.
Siguiendo o teniendo en cuenta estos consejos básicos de Composición de Retratos, podrá mejorar bastante sus trabajos.
Vea tambien Bracketing, Medición de Luz, Panning
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Nuestras cámaras poseen fotómetros de “Luz Reflectada” integrados que miden la luz (gris 18%) que está siendo reflectada de la escena para entregarnos las definiciones de exposición correctas (velocidad obturador, abertura de diafragma e ISO).
El problema que encontramos ahora es que el tema / objeto que fotografiamos reflecta cantidades diferentes de luz, lo que nuestros ojos ve como tonos y colores diferentes, Nuestra cámara entiende lo que estamos viendo, pero sólo conoce la cantidad de luz que está siendo reflectada.
Para que este sistema funciones, las cámaras necesitan ser programadas para una cierta cantidad de luz, conocida como gris neutro. La cámara asume que la reflección medida de la escena será del mismo tono del gris neutro. Entonces, vas a recibir informaciones para el ajuste de exposición que funcionaría si la escena fuese, de hecho, gris neutro.
Cuando nuestra escena ( o la parte que medimos ) no es gris intermedio, acabamos con imágenes subexpuestas o superexpuestas. Esto debido a que la cámara continúa asumiendo que nuestra escena es gris neutro y, por tanto, los ajustes de exposición recomendados probablemente estarán equivocados.
Una de las mejores herramientas para garantizar la obtención de imágenes correctamente expuestas es una tarjeta gris al 18%. La tarjeta gris es, literalmente, un pedazo de cartón, generalmente de 8×10 pulgadas, con un tono de gris específico de 18% reflectado por todo su espectro visible. Este es el gris que las cámaras esperan ver; por tanto, es la razón por la cual las tarjetas grises son usadas como referencia estándar para producir una exposición de imágen consistente.
Para usar una tarjeta gris simplemente colóquela en el plano de la imagen con un ángulo que se aproxime al ángulo de la luz que incide sobre el tema u objeto a ser fotografiado. Si estás fotografiando una persona, ella puede sostener la tarjeta e inclinarla ligeramente en dirección a la fuente de luz dominante (sol o flash). Después, llene el encuadre con la tarjeta gris y vea cuales son los ajustes de exposición que su cámara esta recomendando. Estas recomendaciones representan una lectura media exacta y serán exibidas en el visor. El único verdadero truco para esta medición es lograr el ángulo de la tarjeta para que este represente con exactitud el ángulo principal de la fuente de luz.
Con toda honestidad, encuentro más fácil efectuar una lectura de incidencia con un medidor portátil que andar con una tarjeta gris a cuestas. Dicho esto, si no tienes un fotómetro de luz incidente, la tarjeta gris es una buena carta bajo la manga, principalmente en situaciones de iluminación complicadas. Con el advenimiento de las cámaras digitales, la tarjeta gris también puede tener la doble función de un medidor sustituto de temperatura del color.
Si no tiene una tarjeta gris, un pequeño truco es efectuar una lectura en la palma de la mano y, después, aumentar la exposición en un stop. Si tiene una lente de largo alcance montada no es necesario que enfoque con exactitud en la palma, pero verifique que la palma cubre todo el visor.
Una vez mas, el ángulo de la mano en relación a la luz es importantísimo, y este es un método de medición muy rápido y confiable. La verdad se está sustituyendo la tarjeta gris por la palma de la mano y ajustando la exposición en un stop para compensar la diferencia de brillo entre la mano y la tarjeta gris. La razón para aumentar la abertura en un stop es que la palma de la mano es cerca de un stop mas clara que la tarjeta gris de 18%. Si tienes piel mas oscura en la palma de la mano, o extremadamente pálida, tal vez la compensación de exposición deba ser diferente. Experimente, es un truco muy útil.
